Frida Kahlo: Las Apariencias Engañan

En 2004, un notable tesoro de objetos personales que pertenecieron a Frida Kahlo fue dado a conocer en su casa de toda la vida, la Casa Azul, en la Ciudad de México. Guardados después de su muerte en 1954, por deseo expreso de su esposo Diego Rivera, estos materiales están ahora en exhibición en San Francisco, ciudad que jugó un importante papel en la construcción de la identidad de Kahlo, así como en el lanzamiento de su trayectoria artística.

Nacida en 1907, Kahlo vivió sus años de formación durante la Revolución Mexicana (1910–1920) y el renacimiento cultural que vino después. Estos importantes acontecimientos forjaron su compromiso perdurable con México y su visión comunista del mundo. Comenzó a pintar en 1925, mientras se recuperaba de un grave accidente de tránsito que le ocasionó complicaciones médicas, múltiples discapacidades y dolor crónico durante toda su vida. A pesar de que en su vida fue opacada por Rivera, hoy en día Kahlo es reconocida internacionalmente como un ícono cultural, y una de las artistas más destacadas del siglo veinte.

Esta exposición ofrece una oportunidad extraordinaria para examinar conjuntamente los diversos modos de creatividad de Kahlo. Conmovedores objetos del tesoro de la Casa Azul — dibujos y fotografías recientemente descubiertos, corsés médicos, accesorios, y atuendos llamativos—se presentan junto a obras de arte que recorren toda la vida adulta de Kahlo. Esta exhibición ilumina el mundo íntimo de Kahlo y los modos en que la política, el género, la discapacidad y la identidad nacional inspiraron la vida de Frida Kahlo, su estilo, y su audaz e inquebrantable arte.

Frida Kahlo: Las Apariencias Engañan, es presentada por la curadora invitada Circe Henestrosa, quien es curadora independiente de moda y directora del departamento de moda en LASALLE College of the Arts Singapur, con Gannit Ankori, como asesora curatorial, quien es profesora de historia y teoría del arte en Brandeis University. Hillary Olcott es la curadora asociada de artes de África, Oceanía, y América, y es la curadora coordinadora por parte del de Young.

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nació el 6 de julio de 1907, en Coyoacán. Su madre mestiza, Matilde Calderón y González, nació en Oaxaca en 1876. Su padre, Wilhelm (Guillermo) Kahlo, fue un emigrado alemán que se convirtió en fotógrafo. Le enseñó a Frida a posar para retratos y a componer fotografías.

Dos traumas marcaron la niñez de Kahlo. A los seis años de edad contrajo poliomielitis. Para sobrellevar la enfermedad debilitante, inventó una amiga imaginaria, una experiencia formativa vinculada a una de sus pinturas más importantes, Las dos Fridas (1939). El “doble ser” se convirtió en un motivo recurrente en su arte. El 17 de septiembre de 1925, a los dieciocho años de edad, Kahlo sufrió un accidente de autobús casi fatal. Postrada en cama durante meses, incapaz de continuar sus estudios, comenzó a pintar. Cuatro años después, Kahlo se casó con el artista de renombre internacional Diego Rivera, y al poco tiempo viajó a Estados Unidos.

La madre de Kahlo, Matilde Calderón (señalada aquí con un círculo por Frida), era de origen P’urhépecha de Morelia, Michoacán, por parte de padre y su madre era hija de un general del ejército español. Algunas de las mujeres en este grupo visten a la usanza del Istmo de Tehuantepec de Oaxaca, incluyendo el tradicional resplandor almidonado. Los vibrantes vestidos de la región de su madre debieron ser familiares para Kahlo desde una edad temprana.

El padre de Frida Kahlo llegó a México en 1890 y cambió su nombre, Wilhelm, por su equivalente en español, Guillermo. Se convirtió en uno de los más destacados fotógrafos de arquitectura del gobierno de Porfirio Díaz y logró capturar la herencia cultural de México en su avance hacia la modernidad. Frida Kahlo debió estar al tanto de la cantidad de autorretratos que su padre tomó y, tal vez, heredó su fascinación por el autorretrato.

En este dibujo sin terminar, basado en fotografías tomadas a las edades de cuatro, doce y veintidós años, Kahlo rastrea su crecimiento de niña a mujer adulta. Este examen de su propia imagen en evolución captura la influencia de la fotografía en sus autorretratos, que continuaría a lo largo de toda su vida.

A los diez años de edad, Kahlo lleva un vestido blanco y un velo para su primera comunión, un importante ritual en la religión católica. Si bien su madre era profundamente religiosa, su padre era ateo. Más adelante en su vida, declaró: “No quiero que me consideren religiosa. Quiero que la gente sepa que no lo soy”. En el reverso de la fotografía, Kahlo escribió: “Friduchita en 1920 cuando hizo su primera comunión, 10 años de edad. ¡IDIOTA!” Kahlo cambió el año de su nacimiento de 1907 a 1910, de ahí la inexactitud en la fecha.

Kahlo compuso este dibujo un año después de su accidente casi mortal. En segundo plano, se narran visualmente los eventos del día: el choque entre un bus y un tranvía, con el sol y un árbol sugiriendo la hora y el lugar. En primer plano, Kahlo se representa a sí misma “dividiéndose”, esto es un mecanismo psicológico de adaptación vinculado con el trauma. Una “Frida” aparece como el cuerpo vendado sobre una camilla, mientras que la segunda “Frida” aparece como una cabeza pensante separada, desasociada del cuerpo herido para poder sobrevivir.

La Revolución Mexicana empezó en 1910 cuando el presidente Porfirio Díaz ganó su octavo término presidencial mediante una elección manipulada. La siguiente década estuvo marcada por conflictos sociales, inestabilidad política, y levantamientos armados en todo México. La revolución procuraba realizar amplias reformas políticas y económicas que beneficiaran al pueblo mexicano en lugar de los poderes extranjeros o las élites. Identificada como hija de la revolución, Kahlo adoptó el año 1910 como fecha de su nacimiento.

Los artistas mexicanos forjaron su propia revolución, llamada Renacimiento Mexicano. Buscaron inspiración en su patria y crearon un particular estilo de arte público que celebraba la diversidad étnica de la nación, así como su historia ancestral. Los artistas, incluyendo a Kahlo, se sintieron particularmente atraídos por el Istmo de Tehuantepec, una región conocida por su sociedad matriarcal y su rica cultura indígena. Si bien Kahlo nunca visitó el Istmo, ella adoptó la ropa de la región como parte de su identidad, creando así una icónica imagen personal como La Tehuana.

Una de las primeras pinturas de Kahlo exhibe la influencia tentativa del cubismo y el arte metafísico de Giorgio de Chirico, así como referencias a temas mexicanos. Entre las que figuran un retrato del general revolucionario Pancho Villa; del volcán mexicano Citlaltépetl; y un tren cargado de soldados y soldaderas, basado en fotografías de Agustín Casasola. Kahlo se representa a sí misma como una Adelita —la adorada soldadera mítica—con los hombros al descubierto, arreglada en un corto vestido de noche, en lugar de un atuendo mexicano.

Kahlo se unió al Partido Comunista Mexicano en su adolescencia, motivada por la fotógrafa y revolucionaria Tina Modotti, quien se convirtió en su amiga. Kahlo fue activista política y ferviente comunista hasta su muerte. Su deseo de dedicar su arte al servicio de la causa política, como Diego Rivera y los muralistas, queda recogido en su diario hacia el final de su vida. En este dibujo tardío, la artista se representa a sí misma vestida en atuendo tehuano completo, sentada frente a su caballete, sobre el cual se ve un retrato de Iósif Stalin.

Frida Kahlo se pintó a sí misma dividida en dos o duplicada a lo largo de su vida. Vinculado a su herencia “mestiza” o bicultural, a la división psicológica provocada por el trauma o a un deseo de autoconocimiento, este motivo recurrente de dualidad tiene múltiples significados. En su pintura de 1929, Kahlo pinta una “Frida” como novia europea y otra como madre tehuana sosteniendo un retrato en forma de huevo de Diego Rivera como bebé. Pintada en la época de su divorcio y luego de perder varios embarazos, Kahlo visualiza su incapacidad para cumplir ambos roles sociales.

Kahlo vistió este dramático conjunto en exhibición a la izquierda en la inauguración de una exposición y cena en Nueva York, en 1933. Vistió esta capa de terciopelo con una falda hecha de seda francesa. El huipil y la falda en exhibición a la derecha son del pueblo zapoteco de Juchitán de Zaragoza en Oaxaca, en el Istmo de Tehuantepec. Kahlo admiraba particularmente el atuendo tehuano y lo vistió con algunas variaciones a lo largo de su vida.

Este dibujo nunca antes exhibido es uno de tres bocetos conocidos relacionados a la pintura de Kahlo de 1949 El abrazo de amor del universo, la tierra (México), yo, Diego, y el señor Xólotl. La pintura está basada en un diagrama del yin y el yang, y une la noche con el día, la tierra con el cielo. Tanto en el dibujo como en la pintura, Kahlo aparece como una Virgen María tehuana con el niño, ambos unidos en una serie de abrazos cósmicos.  

Frida Kahlo, El abrazo de amor del universo, la tierra (México), yo, Diego, y el señor Xólotl, 1949. Óleo sobre lienzo, 271/2 x 233/4 in. (69.8 x 60.3 cm). Jacques and Natasha Gelman Collection, Mexico City. Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust / INBAL

Kahlo pintó a Lucha María sentada descalza sobre una roca volcánica, en un contexto binario que armoniza la noche y el día, el sol y la luna, el pasado y el futuro. Tehuacán está en el estado de Puebla, cerca de la frontera de Oaxaca, pero Kahlo ubicó a Lucha María entre las Pirámides del Sol y la Luna en la antigua explanada de Teotihuacán, cerca de la Ciudad de México. La niña sostiene un aeroplano militar de juguete en sus manos, tal vez en alusión a la devastación de la Segunda Guerra Mundial que se libraba en esos años.

Junto a Frida Kahlo están Diego Rivera y Nickolas Muray, quien tomó esta fotografía usando un temporizador. En el grupo también están Rosa y Miguel Covarrubias, así como las dos hermanas Alfa Ríos Henestrosa y Nereida Ríos, quienes llevan vestidos tehuanos. Se cree que las hermanas le regalaron a Kahlo huipiles de su pueblo, Juchitán, Oaxaca, en el sur de México. Su sobrina nieta, Circe Henestrosa, es curadora invitada de esta exposición.

Frida Kahlo vivió en la Casa Azul la mayor parte de su vida, y murió ahí en 1954. Sus padres construyeron la casa en 1904 y la decoraron al estilo europeo popular de la época. Kahlo y Rivera la renovaron en los años 1930 antes de mudarse. Pintaron de azul vibrante las paredes grises, y llenaron su hogar de objetos que reflejaban su devoción por todo lo mexicano, incluyendo arte folclórico, esculturas prehispánicas, y exvotos. La Casa Azul se convirtió en un centro cultural que atrajo a personalidades destacadas de México y del extranjero.

Debido a que Kahlo estaba con frecuencia recluida en su casa por su condición médica, ella transformó su hogar en un microcosmos de México. Estatuas arqueológicas decoraban el exuberante jardín. Perros sin pelo xoloitzcuintli, loros, patos, monos, y un venadito se paseaban entre árboles de cítricos y flores coloridas. La Casa Azul es otra expresión más de la devoción de Kahlo por la mexicanidad y su vibrante poder creativo.

Frida Kahlo y Diego Rivera eran ávidos coleccionistas de arte prehispánico; acumularon mas de 40,000 obras de todo México. La pareja consideraba que objetos meticulosamente construidos y estéticamente atractivos encarnaban la larga tradición creativa y el ingenio técnico de los artistas mexicanos. En 1941, con la ayuda de Kahlo, Rivera comenzó a diseñar y construir un museo que albergara su colección de arte prehispánico. El Museo Anahuacalli fue inaugurado en 1964, después de la muerte de ambos. Esta vitrina exhibe obras de arte de los Fine Arts Museums of San Francisco que se asemejan a los objetos de la colección Kahlo-Rivera.

1. Figura humana de basalto, Azteca (Mexica), Centro de México, 1200–1500
   Fine Arts Museums of San Francisco, Donación de la Colección de la Familia Erle Loran, 2008.38.127
2. Figura de perro de cerámico, Colima, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
   Adquisición del museo, M. H. de Young Endowment Fund, 42.156
3. Figuras de perro de cerámico, Colima, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
   Donación de la Colección de la Familia Erle Loran, 2009.1.10
4. Figurilla humana de cerámico, Colima, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
   Legado de Leroy C. Cleal, 2002.84.1.105
5. Figurilla humana de cerámico, Michoacán, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
   Legado de Leroy C. Cleal, 2002.84.1.155
6. Figurilla humana de cerámico, Teotihuacán, Centro de México, 300 a. e. c.–500 e. c.
   Donación de Lewis K. y Elizabeth M. Land, 2009.84.1.92
7. Figurilla humana de cerámico, Guanajuato, Centro de México, 450 a. e. c.–100 e. c.
   Legado de Leroy C. Cleal, 2002.84.1.147
8. Figurilla de ave de cerámico y ocarina (silbato) en forma de ave, Colima, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
   Donación de Lewis K. y Elizabeth M. Land, 2009.1.123 y 2009.1.118
9. Figurilla de perro de cerámico, Nayarit, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
   Donación de la Colección de la Familia Erle Loran, 2008.38.185
10. Figura de guerrero de cerámico, Colima, Oeste de México, 300 a. e. c.–300 e. c.
    Donación de la Colección de la Familia Erle Loran, 2008.38.143

Kahlo colocó esta pintura en un marco de metal ornamentado de Oaxaca. El protagonista es un guerrero de cerámica de la antigua Colima, que pertenecía a la colección de arte prehispánico Kahlo-Rivera. Kahlo lo representa solo, en un paisaje desolado con una sola ruina de piedra. Cuando esta pintura fue exhibida en la primera exposición individual de Kahlo en la Julien Levy Gallery de Nueva York en noviembre de 1938, el reseñista de la revista New Yorker propuso que la obra representaba “la sobrevivencia de México en un mundo tambaleante”.

León Trotski, revolucionario bolchevique y miembro fundador del politburó, máxima autoridad política de la Unión Soviética, fue expulsado de la Unión Soviética en 1929 por oponerse al régimen de Iósif Stalin. En 1937, Trotski y su esposa, Natalia Sedova, obtuvieron asilo político en México. Se hospedaron en La Casa Azul, invitados por Frida Kahlo y Diego Rivera, quienes vivían entonces en una recién construida casa-estudio cercana. Trotski y Kahlo sostuvieron un breve romance durante esta época.

Frida Kahlo y Diego Rivera poseían cientos de pinturas votivas, llamadas exvotos. Estas pequeñas imágenes sobre metal fueron pintadas por artistas desde finales del siglo XIX hasta principios del XX. Devotos católicos encargaban estas pinturas para colgarlas en las iglesias como muestra de agradecimiento por plegarias respondidas, particularmente después de un accidente, una lesión o enfermedad. Kahlo comenzó a pintar sobre metal en 1932 y utilizó el poder formal y narrativo del exvoto, con su compresión de espacio y tiempo, en muchas de sus pinturas.

1. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen de Talpa tras un accidente de tren, 1928
2. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen de Talpa por la sanación de un niño, finales del siglo XIX–principios del XX
3. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen de la Misericordia, 1915
4. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen de Talpa, 1901
5. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen de Talpa tras el accidente de un hijo, 1910
6. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen del Perpetuo Socorro, 1910
7. Pintura votiva en agradecimiento a la Santísima Trinidad tras un accidente de auto, 1920–1930  
8. Pintura votiva en agradecimiento a la Virgen de Talpa por una recuperación, finales del siglo XIX–principios del XX
9. Pintura votiva a la Virgen de Talpa por un niño enfermo, finales del siglo XIX–principios del XX
10. Pintura votiva en agradecimiento a los Tres Reyes Magos tras la recuperación de un niño, finales del siglo XIX–principios del XX

Estos exvotos están hechos de óleo sobre metal y fueron pintados por artistas sin identificar. Pertenecen a la colección del Museo Frida Kahlo, Banco de México, Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

Dorothy Hale (1905–1938) fue una mujer de la alta sociedad y actriz que quedó en una situación económica precaria tras la muerte de su esposo. El 20 de octubre de 1938, Hale invitó a sus amigos a una fiesta de despedida, y les explicó que partiría en un largo viaje. Al día siguiente, en las primeras horas de la mañana, Hale saltó por la ventana de su apartamento que se ubicaba en un alto de edificio de Manhattan. Una amiga en común, Clare Boothe Luce, le pidió a Kahlo que hiciera un retrato conmemorativo de Hale. Kahlo se inspiró en el formato de los exvotos y representó el suicidio de Hale de manera detallada y sangrienta. Luce quedó horrorizada y quiso destruir la obra.

Kahlo viajó por primera vez fuera de México poco después de su matrimonio, acompañando a Diego Rivera a “Gringolandia” (como llamaba ella a los EEUU). Él era un célebre artista, contratado para pintar murales en San Francisco, Nueva York, y Detroit. Ella fue tratada inicialmente como la “exótica” tercera esposa de Rivera, que “alegremente incursiona en el arte.”

Las visitas de Kahlo en Estados Unidos (1930–1933) fueron complejas y de gran impacto. En San Francisco formó su singular estilo de Tehuana, entabló amistades para toda la vida, fue retratada por brillantes fotógrafos y comenzó a pintar seriamente. Disfrutó explorar la “mágica” Nueva York, pero criticó la brecha de riqueza y el racismo que observó. En Detroit, un aborto natural transformó su arte, y se reinventó a sí misma como una artista que rompía tabúes.

En 1940, Kahlo regresó a San Francisco para casarse nuevamente con Rivera, de quien se había divorciado el año anterior. En ese momento, ya era una artista consumada y expuso cuatro pinturas en la Exposición Internacional Golden Gate en Treasure Island, donde Rivera pintaba un mural.

Kahlo regresó a San Francisco en 1940 por insistencia de su amigo cercano el Dr. Leo Eloesser. Fue para recibir tratamiento médico en el St. Luke’s Hospital del Mission District y para reencontrarse con Diego Rivera, quien estaba pintando el mural Unión Panamericana en la Exposición Internacional Golden Gate en Treasure Island. Kahlo, quien para estas fechas ya definía su profesión como “pintora”, exhibió cuatro de sus obras en la exposición. El 8 de diciembre de 1940, día del cumpleaños número 54 de Diego Rivera, después de trece meses divorciados, Kahlo y Rivera volvieron a casarse en el ayuntamiento de San Francisco.

Kahlo produjo un imaginativo retrato póstumo de Luther Burbank, un botánico famoso internacionalmente por los cruces de injertos e hibridación de plantas. A partir de una fotografía obtenida durante una visita a su finca en Santa Rosa, Kahlo pintó a Burbank como una criatura híbrida: un hombre, un tronco de árbol, una planta filodendro y un cadáver, todo en uno.

Frida Kahlo, Portrait of Luther Burbank, 1931. Oil on hardboard, 33½ x 24 in. (85 x 61 cm). Museo Dolores Olmedo Patiño, Mexico City Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust / INBAL

De noviembre de 1930 a mayo de 1931, Kahlo y Rivera residieron en el 716 de la calle Montgomery en el centro de San Francisco. Vivieron en la casa y estudio del escultor Ralph Stackpole, en el seno de una comunidad de artistas de vanguardia muy unida y llena de energía creativa. El escultor Clifford Wight era el asistente de Rivera. Kahlo pintó a su esposa, Jean, frente al horizonte de San Francisco, visible a través de su ventana.

Kahlo pintó suyo tehuano por primera vez en este retrato de boda. Diego Rivera es representado como el gran artista, sosteniendo paleta y pinceles en su mano. Kahlo, en contraste, sostiene la mano de su esposo y se define como la esposa mexicana de Rivera y no como pintora.

La relación más profunda y duradera que Kahlo forjó en San Francisco fue con el cirujano y académico Leo Eloesser. Se conocieron el 9 de noviembre de 1930, y su amistad perduró hasta la muerte de la artista en julio de 1954. Kahlo expresó su agradecimiento pintando un amoroso retrato de su amigo y alma gemela. Retrato del Dr. Leo Eloesser incluye un modelo de la goleta del doctor que lleva la inscripción “Los Tres Amigos”, en alusión al fuerte vínculo que lo unía a Kahlo y Rivera.

En esta obra pintada en Nueva York durante la Gran Depresión, Kahlo coloca su atuendo tehuano como sustituto de su yo ausente. Ella está y no está ahí, es testigo y crítica aguda de los males de la sociedad de EEUU. Múltiples collages de la cola del pan y protestas políticas son la base literal e ideológica de esta composición. La Estatua de la Libertad, Ellis Island y la Bolsa de Valores, entre otros emblemas de los ideales estadounidenses, son criticados por un sistema capitalista opresivo que promueve la desigualdad.

El 4 de julio de 1932, mientras vivía en Detroit, Kahlo sufrió un aborto traumático en el cual casi muere desangrada. Cinco semanas después, creó su primera y única litografía. Kahlo se divide en dos en la composición: una mitad traza el desarrollo y la pérdida de su hijo no nacido, mientras que la otra muestra la fecundidad de la naturaleza y su renacimiento como artista. Kahlo le dio esta copia de la litografía a su amigo de toda la vida Juan O’Gorman y la firmó con el año 1936.

El accidente catastrófico que sufrió Kahlo a sus dieciocho años puso fin a su sueño de convertirse en doctora. Durante su convalecencia, la adolescente postrada en cama comenzó a pintar, usando un caballete plegable y un espejo instalado en el dosel de su cama de cuatro postes. “Me pinto a mí misma porque paso mucho tiempo sola,” dijo Kahlo. El autorretrato se convirtió en el enfoque principal del arte de Kahlo.

Kahlo fue sometida a decenas de procedimientos médicos y cirugías para intentar aliviar los agudos problemas que aquejaban su pierna derecha, su columna vertebral, y su sistema reproductivo. En ocasiones tenía que usar corsés y otros aparatos, los cuales decoraba y transformaba en obras de arte. Por otra parte, en sus pinturas examina experiencias de enfermedad, discapacidad, soledad, y dolor. Su apariencia fue parte importante de su expresión artística. Era una manifestación de su identidad, tanto en su vida como en sus pinturas, y lo utilizaba para representar diferentes versiones de ella misma. Kahlo construyó un vocabulario visual capaz de expresar el sufrimiento físico y emocional, al tiempo en que articulaba su propia resistencia y capacidad de crear significado, de alegría, belleza, y arte.

Miles de fotografías fueron halladas cuando se abrió la puerta del baño de Kahlo en 2004, incluyendo muchas imágenes recortadas y anotadas. No queda claro si Kahlo recortó partes de estas fotografías para que cupieran en marcos más pequeños o si su intención era sacar a varios individuos, o incluso a sí misma.

La pierna derecha de Kahlo fue deformada por la polio que contrajo a los seis años de edad. La pierna y el pie se deterioraron aún más debido a las heridas sufridas en el accidente de 1925. Ambos traumas provocaron complicaciones médicas duraderas y, al final de la vida de Kahlo, su pierna derecha tuvo que ser amputada. Después de la cirugía, Kahlo expresó deseos de morir en su diario: “Espero alegre la salida, y espero no volver jamás”.

Mientras su vida declinaba, Kahlo expresó su dolor y desesperanza en su diario: “Yo soy la desintegración”. Pero a pesar de ello, no solo padeció su sufrimiento, sino que logró trascenderlo creando arte hasta el final. Pintado desde su lecho de muerte, este autorretrato refleja el deseo constante de conectar con sus seres queridos (aquí alude a Diego Rivera y a su amiga María Félix) y de encarnar la tehuana hermosa. Lamentablemente, esta obra también muestra cómo el deterioro de su salud afectó su capacidad de pintar en su meticuloso y controlado estilo.

En 2004, el baño y el guardarropa de Kahlo fueron abiertos, después de permanecer sellados tras su muerte cincuenta años atrás. Además de 6,000 fotografías y 22,000 documentos, alrededor de 300 de las posesiones más íntimas de Kahlo —incluyendo medicinas, aparatos ortopédicos, ropa, joyas y maquillaje— han sobrevivido el paso del tiempo.

C1: Corsé de yeso pintado, ca. 1941

Yeso, vendajes médicos, algodón y pintura

Colección privada de Jan Hendrickx

C2: Corsé de yeso pintado, 1944

Yeso, vendajes médicos, algodón y pintura

Museo Frida Kahlo, Banco de México, Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo

C3: Corsé de yeso pintado, 1950

Yeso, vendajes médicos, algodón, espejos y pintura

Museo Frida Kahlo, Banco de México, Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo

Los corsés de yeso de Kahlo estaban hechos de vendajes sumergidos en yeso. Se los envolvían alrededor del torso y luego el yeso se ajustaba al secarse. Recordaba la artista: “Figúrate que me tuvieron colgada, nada más de la cabeza, dos horas y media y después apoyada en la punta de los pies más de una hora, mientras se secaba con aire caliente”. El yeso endurecido de los corsés de Kahlo debía ser cortado con tenazas quirúrgicas para poder sacarla; Kahlo decidió preservar la parte frontal de los corsés como obras de arte.

Vitrina de la izquierda:

I1

Pierna prostética con seda bordada y bota de cuero, 1953–1954 

I2

Perfume Shalimar de Guerlain, 1940–1954  
Par de zapatos de gamuza, antes de 1954

I3:
Botella de loción Chanel No. 5, etiquetada “Acetona”, 1940–1954 
Perfume Emir de Dana, 1935–1954 
Brazalete de plata y amatista de Antonio Pineda, años 1940
Peines de plástico, antes de 1954

I4: 
Suplemento neohebaral (para aliviar el dolor), antes de 1954
Salicilato de sodio (y antiinflamatorio), antes de 1954
Drilitol (medicamento respiratorio), 1951 – 1954 
Cloroformo (un anestésico), antes de 1954
Tabletas de riboflavin (vitamina B2 sintética), antes de 1954
Botella de medicamentos de la Farmacia de la Concepción, antes de 1954
Metilcelulosa (un laxante), antes de 1954
Hémostyl del Dr. Roussel (medicamento con vitamina B12), antes de 1954
Solución de adrenalina Stein (para detener el sangrado), 1938–1944  

I5:
Seda bordada y bota de cuero, 1953–1954 
Frasco de pomada para el cabello, antes de 1954
Limas de esmeril Revlon, antes de 1954
Metal chapado en oro, plata y pendientes de vidrio, 1900–1930 
Lápiz de cejas Revlon, antes de 1954
Muñeca, antes de 1954
Caja de costura con tapa pintada, antes de 1954
Bolso de embrague, años 1940
Frasco de perfume sin etiquetar, antes de 1954
Perfume Jean-Marie Farina de Roger & Gallet, antes de 1954

I6:
Gafas de sol plásticas, años 1950
Pintalabios Revlon Everything’s Rosy, 1944–1954
Polvera de colorete Revlon No. 3 Clear Red 59, 1944–1954  
Esmalte de uñas Revlon Frosted Pink Lightning, antes de 1954
Esmalte de uñas Revlon Frosted Snow Pink, antes de 1954
Esmalte de secado rápido Revlon, antes de 1954

Kahlo representa su atuendo de tehuana como camuflaje. Una elaborada máscara sartorial que esconde una espina dorsal herida, dibujada como una columna derrumbándose con un corsé médico que apenas mantiene el cuerpo intacto. Su falda larga cubre su atrofiada pierna izquierda y su pierna derecha saludable, aparece decorada con mariposas. Kahlo reitera el mensaje visual con palabras: “Las apariencias engañan”.

Los poderosos autorretratos de Kahlo, las fotografías para las cuales posó y su estilo de vestir meticulosamente compuesto, fueron modos complementarios de autocreación artística. En su adolescencia se vestía de manera poco convencional para expresar su individualidad y para esconder su pierna lesionada. A los veinte años de edad, adoptó la vestimenta tradicional mexicana que vistió por el resto de su vida. A pesar de haber creado un estilo híbrido único que mezclaba elementos de diversas regiones y periodos, siempre se sintió especialmente identificada con las mujeres y la cultura matriarcal de Tehuantepec.

Kahlo adoptó blusas bordadas, faldas largas, elaborados peinados, así como rebozos tejidos, para ofrecer su personal y asombrosa versión de la mexicanidad. Al mismo tiempo, estas decisiones de estilo se adaptaban a su condición médica y le ayudaban a alejar la atención de sus discapacidades y lesiones físicas. Tal como indican los zurcidos, quemaduras de cigarrillo, manchas, y pinceladas halladas en muchos de sus atuendos, los trajes de Kahlo eran parte integral de su vida, su arte, y su identidad.

El huipil grande o resplandor, es un tocado ceremonial inspirado en la aureola radiante de las imágenes de la Virgen María. Es llevado por las mujeres de Tehuantepec en misas, bodas y procesiones. Sus orígenes son inciertos. Se distingue por llevar dos mangas cerradas por costuras y estar almidonadas, su función es estética. El atuendo se lleva de dos maneras: durante la misa cuando el tocado se asemeja a una capa, y cuando el encaje enmarca la cara.

Si bien los pavos reales no son nativos de México, se convirtieron en un motivo popular en el bordado de aguja tradicional. Este huipil fue hecho posiblemente para ser vendido en el mercado, dado que el bordado es de una escala mayor que la de los atuendos llevados por la comunidad local. La falda está adornada con una cinta ancha de satín y fue hecha especialmente para Kahlo.

Este corto y ancho huipil fue construido por tejedores de la comunidad Q’eqchi en Alta Verapaz, quienes se especializan en el trabajo con gasa y técnicas de brocado. Los motivos incluyen hileras de maíz, figuras y animales. La otra pieza del conjunto es una falda estilo campesina confeccionada a partir de un atuendo más antiguo. Este chal tejido en telar de cintura era uno de los favoritos de Kahlo y puede ser visto en varias de las fotografías a color tomadas por Nickolas Muray a finales de los años 1930.

Este atuendo es similar a uno que vistió Frida Kahlo cuando fue fotografiada por Toni Frissell para la revista Vogue en octubre de 1937. La pintora combinó una blusa de cuello alto de estilo europeo con una rabona que tiene un holán plisado del mismo material.

En su primera visita a San Francisco, de 1930 a 1931, Kahlo quedó fascinada con el Barrio Chino, donde tal vez adquirió esta falda. Le escribió a su padre: “Figúrate, hay 10,000 chinos aquí, en sus tiendas venden cosas hermosas, ropas y telas hechas a mano de seda finísima”. Las mujeres Han vestían faldas de este tipo durante la Dinastía Qing (1644–1911), plisadas y exquisitamente bordadas, con una bata corta y una chaqueta. Se muestra acompañada de un rebozo liso con pompones de algodón formados a mano.

Mientras Diego Rivera pintaba una serie de paneles de fresco móviles, su asistente le llevó a Kahlo un panel de fresco preparado, pintura y pinceles. Kahlo compuso este autorretrato luciendo este collar de jade. Su amiga Lucienne Bloch recuerda que Kahlo estaba “bastante disgustada con su fresco y escribió… ‘No sirve, absolutamente podrido, horrible, muy feo —Frieda…oh dios!’” Kahlo rompió el fresco y quería tirarlo a la basura, pero Bloch evitó que fuera destruido.

Estas largas cadenas tienen eslabones de cuatro secciones que se interconectan y crean un efecto visual torcido o enroscado, similar a una soga, de ahí el nombre torzal. Los collares de Oaxaca, llenos de monedas de dote, eran una forma de mostrar la riqueza de la familia. Uno de estos collares incluye una pieza colgante ornamental hecha de oro y perlas; otro, una moneda americana de veinte dólares de oro de 1903; y el tercero, lleva un pendiente en forma de murciélago, probablemente hacia 700–1500 e. c.

La cercana relación de Kahlo con el fotógrafo Nickolas Muray, a quien conoció en 1931 a través del artista Miguel Covarrubias, desembocó en una historia de amor intermitente y en una amistad para toda la vida. También resultaron de esta relación muchas de las fotografías más icónicas de Kahlo. Estas fotografías a color proveen información valiosa sobre el modo en que la artista componía sus atuendos y el cuidado que prestaba a su paleta de colores. Lo vemos en la combinación del rebozo con las flores en su pelo, con el lápiz de labios y con el esmalte de uñas.

Kahlo está sentada rígidamente en una silla de paja verde. Su identidad mexicana se expresa a través de su atuendo y su peinado. Sus cejas unidas resaltadas, su bigote pronunciado y su mirada firme presentan una figura radical e inconformista. Un pequeño perro xoloitzcuintli está cerca, pero parece desvinculado de Kahlo. Esta raza canina deriva su nombre de dos palabras náhuatl: Xólotl, dios de la muerte, e itzcuintli, perro. Kahlo amaba a estos perros sin pelo y los incluyó en varias de sus pinturas.

El retrato, pintado para su confidente el Dr. Leo Eloesser, refleja la naturaleza no sexual del segundo matrimonio de Kahlo, cuyos términos el doctor ayudó a negociar. Kahlo viste un hábito de monja, cuyo color apagado simboliza mortificación y humildad. Una corona de espinas rodea su garganta como un collar. Su ascetismo cristiano contrasta con las flores en su pelo, los pendientes en forma de manos y las plantas que crecen detrás suyo. Kahlo se presenta como un ser profundamente dividido, separado entre el deseo sensual y el celibato que perpetua el amor no correspondido hacia su esposo.

Pintado para uno de sus doctores, este autorretrato muestra la cara de Kahlo enmarcada por un elaborado tocado tehuano, el resplandor. El broche de Kahlo es un pájaro atrapado en un marco ovalado análogo. El tenso contraste entre la triste cara tridimensional y el vestido liso de encaje, se refuerza con los símbolos del yin y el yang, incluidos en el tocado de encaje.

Kahlo solía pintarse a sí misma junto a sus mascotas. La mayoría de las veces, se representaba junto a sus monos araña, una suerte de hijos postizos, ancestros darwinianos, alter egos o entidades simbólicas. En esta pintura, Kahlo lleva un huipil bordado y está unida a su acompañante simio por lazos similares que decoran sus cabellos. El abrazo del mono parece ser reconfortante y amenazante al mismo tiempo. El trasfondo oscuro y el árbol marchitado, acaso moribundo detrás de ambos, exudan un sentimiento ominoso de peligro o aflicción.

A pesar de ser reconocida por las presentaciones de su imagen personal como una icónica mujer tehuana, Frida Kahlo también utilizó atuendos, peinados y accesorios para mostrar identidades de género alternativas. “Del sexo opuesto, tengo el bigote y, en general, la cara”, expresó. Kahlo también sostuvo relaciones sexuales con hombres y mujeres. Utilizando la terminología contemporánea, se podría sugerir que Kahlo rechazaba las categorías binarias de género y propugnaba una identidad de género fluida o queer.

Ejemplos de esto pueden ser vistos en las imágenes debajo.

En la fotografía Frida Kahlo exhibe su fluidez de género en un contexto convencional de familia. Lleva puesto un traje de tres piezas y una corbata que, de acuerdo a una anotación posterior, puede haber sido de su padre. Algunos años más tarde, pintó Autorretrato con pelo corto (1940), donde presenta una identidad de género ambigua, que combina rasgos femeninos y masculinos.

Frida Kahlo, Autorretrato con pelo corto (1940). Óleo sobre lienzo, 15 3/4 x 11 in. (40 x 27.9
cm). The Museum of Modern Art, Nueva York, Donación de Edgar Kaufmann, Jr., 1943, 3.1943. Museo
Frida Kahlo, Banco de México, Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

Guillermo Kahlo, Retrato de la familia Kahlo, 7 de febrero de 1926. Impresión en gelatina de plata, Colección
Vicente Wolf.

En esta obra Kahlo vincula el crecer y el vestir con su identidad performativa. Se presenta como tres yos diferenciados y fragmentados. La protagonista central, con su inusual atuendo y peinado, es reconocible en las fotografías de 1934 a 1935, cuando se cortó el pelo y experimentó con diferentes estilos de atuendo. Los dos trajes que la flanquean son el uniforme escolar de niña y el icónico vestido tehuano. Esto demuestra el modo en que Kahlo usaba la ropa para expresar su identidad y representar versiones diferentes de ella misma. El zapato en forma de barco alude a la polio de su niñez, mientras que la vara que perfora su cuerpo es una referencia a su accidente.